Patricia Villalobos Echeverria

Patricia Villalobos Echeverría was born in Tennessee to Salvadoran parents and grew up in Managua, Nicaragua. She has a hybrid practice of prints, photos, videos and installations that explore how reproducible forms of representation can alter our notions of singularity and the various states of flux that we enter and exit within the context of globalization and an increasingly transnational era. She received an MFA from West Virginia University (1990) and a BFA from Louisiana State University (1988).

Recent individual exhibitions include Aguasmalas (Blackwaters) at MediaNoche (New York, NY), 2008; Aflujo•Afflux at Artist Image Resource (Pittsburgh, PA) and Laura Mesaros Gallery, (Morgantown, WV), 2006; Alamar (Asea) at PROYECTO’ACE (Buenos Aires, Argentina), 2006; and Hoverings at Artist Image Resource (Pittsburgh, PA), 2005. Notable group exhibitions include Imprint 2008: Kulisiewicz International Graphic Arts Triennial (Warsaw, Poland); Third International Biennale for the Artist’s Book 2008 (Alexandria, Egypt), 2008; EntreMuros / BetweenWalls (Miami, FL and Guanajuato, Mexico), 2008; IX International Cuenca Biennial (Cuenca, Ecuador), 2007; Point of View at Gallery MC (New York, NY), 2007; Falun Triennial at Dalarnas Museum (Falun, Sweden), 2007; and the International Print Triennial (Krakow, Poland & Oldenburg, Germany), 2006. Notable grants include the Oregon Arts Council Fellowship, PA Council for the Arts Fellowship, Creative Heights Residency Fellowship from the Heinz Endowment and residencies at Artist Image Resource, The Studio for Creative Inquiry at Carnegie Mellon University and the MacDowell Arts Colony. She lives in Pittsburgh, PA and is a Professor of Art at Indiana University of Pennsylvania. More information on the artist’s work can be found at www.patriciavillalobos.com.

Patricia Villalobos Echeverría nació en Tennessee de padres salvadoreños y creció en Managua Nicaragua. Su práctica hibrida de grabado, fotografía, video e instalaciones explora formas reproductivas de representación que alteran nuestras nociones de singularidad en varios estados fluctuantes a los que entramos y salimos dentro del contexto de la globalización y en una era incrementalmente transnacional. Ella recibió su maestría de la Universidad de West Virginia (1990) y su licenciatura de la Universidad de Louisiana (1988).

Recientes exhibiciones individuales incluyen Aguasmalas (Blackwaters) en MediaNoche (Nueva York, NY), 2008; Aflujo•Afflux en Artist Image Resource (Pittsburg) y Laura Mesaros Gallery, (Morgantown, West Virginia), 2006; Alamar (Asea) en PROYECTO’ACE (Buenos Aires, Argentina), 2006; y Hoverings en Artist Image Resource (Pittsburg). Su obra ha sido incluida en Imprint 2008: Trienal Internacional de Artes Gráficas (Varsovia, Polonia); 3ra Bienal Internacional del Libro del Artista (Alejandría, Egipto), 2008; EntreMuros / BetweenWalls (Miami, FL y Guanajuato, México), 2008; IX Bienal de Cuenca (Cuenca, Ecuador), 2007; Point of View en Gallery MC (Nueva York, NY), 2007; Trienal de Falun en el Museo Dalarnas (Suecia), 2007; y la Trienal Internacional del Grabado (Polonia y Alemania), 2006. Ha recibido varias becas de investigación, las más notables son Oregon Arts Council Fellowship, PA Council for the Arts Fellowship, Creative Heights Residency Fellowship del Heinz Endowment y residencias en Artist Image Resource, The Studio for Creative Inquiry en la Universidad de Carnegie Mellon, y en el MacDowell Arts Colony. Vive en Pittsburg, Pensilvania y ejerce como Profesora permanente de Indiana University of Pennsylvania. Más información sobre su obra se encuentra en www.patriciavillalobos.com.

Mi obra es una práctica híbrida de grabado, fotografía, video, múltiples e instalaciones. Primordialmente estoy interesada en como obras reproducibles de representación pueden alteran nuestras nociones de singularidad. Mis instalaciones también juegan con la tensión entre la tridimensionalidad física de la escultura/arquitectura y la naturaleza efímera del video y sonido. De esta manera, mi obra cuestiona el sentido de estabilidad del cuerpo, como cuando oscila flotando en la orilla, un borde permeable entre el océano y la tierra/territorio. Me intriga como el tiempo parece suspendido al entrar y salir de espacios en estado de fluctuación – algunos geográficos, otros virtuales - y como esa fluctuación se extiende al cuerpo que también oscila entre disociación e hiperencarnación dentro del contexto de la globalización.

My work is a hybrid practice of prints, photos, videos, multiples and installations. I am primarily interested in how reproducible forms of representation can alter our notions of singularity. My installations also play with the tension between the three-dimensional physicality of sculpture/architecture and the ephemeral nature of video and sound. In this way, my work questions the body’s sense of stability as when the body oscillates floating on the shoreline, a permeable border between ocean and land; I am intrigued by how time can seem to be suspended as we enter and exit spaces in a state of flux – some geographical, others virtual and by how this fluctuation extends to the body as it also teeters between dissolution and hyper-embodiment within the context of globalization.

Abajo/Below: aguasmalas (blackwaters)

installation view at MediaNoche, New York, NY, 2008

double video projection and eps foam sculptures, dimensions variable, 2008

Nayda Collazo-Llorens

Nayda Collazo-LLorens produces work in various media, often depicting the way in which the mind processes information. Her videos and public interventions combine images, sounds and texts that are structured in a non-linear manner creating a mindscape where memory, language and issues of displacement and simultaneity play a central role. In the drawings and mixed media works, blots, lines, marks, numbers and textual elements are structured into various interconnected systems. The work invites the viewer to reflect on the complexities of the mind, language and the fragmented manner in which we perceive what is inside and around us.

Nayda Collazo-Llorens, born in San Juan, Puerto Rico, is a visual artist based in both New York City and Pittsburgh, Pennsylvania. She received an MFA from New York University in 2002 and a BFA from Massachusetts College of Art, Boston in 1990. Individual projects include: Voiceover, MediaNoche, New York, NY, 2008; Ellipsis, Future Tenant, Pittsburgh, PA, 2008; Route/Journal at LMAKprojects (Williamsburg), Brooklyn, NY, 2007; Navigable Zones at Project 4, Washington DC, 2007; Mindscapes at Space Other, Boston, 2006; Roaming, CSV Cultural Center, NYC, 2006; and Configuraciones, Galería Raíces, San Juan, PR, 2005. Notable group shows include: 10th Havana Biennial, Havana, Cuba, 2009; Puerto Rico: Human Geography, 21st-Century Photography and Video, OAS Art Museum of the Americas, Washington DC, 2009; Beyond a Memorable Fancy, EFA Project Space, New York, NY; IX International Cuenca Biennial in Ecuador, 2007; 12th International Media Art Biennale, Wroclaw, Poland, 2007; Artists’ Books: Transgression/Excess, Space Other, Boston, MA, 2007; None of the Above: Contemporary Works by Puerto Rican Artists, Real Art Ways, Hartford, CT, 2004, and Museo de Arte de Puerto Rico, San Juan, PR, 2005; and Here & There: Six Artists from San Juan, at El Museo del Barrio, NY, 2001 and Blaffer Gallery, University of Houston, TX, 2002. Her work has been reviewed in The New York Times, Art Net, Art US, Art Nexus, Art News and NY Arts, among others.

Nayda Collazo-Llorens utiliza distintos medios para representar la manera en que la mente procesa información. Sus vídeos e intervenciones públicas combinan imágenes, sonidos y textos que han sido estructurados de manera no lineal creando un paisaje mental donde la memoria, el lenguaje y temas de desplazamiento y simultaneidad juegan un papel central. En los dibujos y medios mixtos, manchas, líneas, marcas, números y elementos textuales son estructurados en distintos sistemas que se interconectan. La obra invita al espectador a reflexionar sobre las complejidades de la mente, el lenguaje y la manera fragmentada en que percibimos el mundo interior y exterior.

Nayda Collazo-Llorens, nacida en San Juan, Puerto Rico, es una artista visual radicada en la ciudad de Nueva York y Pittsburgh, Pennsylvania. Recibió un MFA de New York University en el 2002 y un BFA del Massachusetts College of Art, Boston en el 1990. Sus más recientes proyectos individuales incluyen: Voiceover, MediaNoche, New York, NY, 2008; Ellipsis, Future Tenant, Pittsburgh, PA, 2008; Route/Journal, LMAKprojects (Williamsburg), Brooklyn, NY, 2007; Navigable Zones, Project 4 Gallery, Washington, DC; Mindscapes, Space Other, Boston, 2006; Roaming, CSV Cultural Center, NY, 2006; y Configuraciones, Galería Raíces, San Juan, PR, 2005. Importantes exhibiciones colectivas incluyen: 10ma Bienal de la Habana, Habana, Cuba, 2009; Puerto Rico: Human Geography, 21st-Century Photography and Video, OAS Art Museum of the Americas, Washington DC, 2009; Beyond a Memorable Fancy, EFA Project Space, New York, NY; IX Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, 2007; 12th International Media Art Biennale, Wroclaw, Poland, 2007; Artists’ Books: Transgression/Excess, Space Other, Boston, MA, 2007; None of the Above: Contemporary Works by Puerto Rican Artists, Museo de Arte de Puerto Rico, San Juan, PR, 2005 y en Real Art Ways, Hartford, CT, 2004; y Here & There: Six Artists from San Juan, Blaffer Gallery, University of Houston, TX, 2002 y en El Museo del Barrio, NY, 2001. Recibió una beca del Urban Artist Initiative, New York, NY, 2006. Su trabajo ha sido reseñado en The New York Times, Art Net, Art US, Art Nexus, Art News y NY Arts, entre otros. Nayda Collazo-Llorens participará en la próxima edición de la Bienal de la Havana del 2009.

Below/Abajo: Restructured Topography. Nayda Collazo-Llorens

Hyla Willis (subRosa) and Jen Morris

Hyla Willis (subRosa) is an interdisciplinary feminist artist and Associate Professor of Media Arts at Robert Morris University in Pittsburgh. Willis holds a MFA from Carnegie Mellon University and is a former Fellow of CMU's STUDIO for Creative Inquiry. She has been the recipient of two Pennsylvania Council on the Arts Fellowships in New Genres, and a Creative Capital grant in Emerging Fields for her work with the subRosa art collective, of which she is a founding member. Prior to her academic appointment, Willis was a Senior Graphic Designer for EDGE studio, a Pittsburgh-based architecture and design firm. She was born in Yuba City, California.

subRosa is committed to combining art, social activism and politics to explore and critique the intersections of information and bio technologies on women’s bodies, lives and work. Since its founding in 1998, the group has developed a “site-uational” form of trans-disciplinary art practice that creates open-ended environments where participants engage with objects, texts, technologies, and learning experiences, and interact with each other and the artists.

Jen Morris earned her MFA from the School of the Art Institute of Chicago as a Merit Scholar and Weinstein Memorial Fellowship recipient. Her work has been exhibited nationally and internationally, and she now teaches at Carnegie Mellon University as part of the College of Fine Arts Interdisciplinary Program. Her current solo work feminizes tropes that have been established within the historical foundations of landscape photography, thereby questioning the idea of place through embodied location.

Below/Abajo: subRosa

Montse Arbelo y Joseba Franco

Montse Arbelo and Joseba Franco initiated in 2000, equipped with portable computers, cameras and video cameras, a common project called NOMADAS (2000-2010), being this frame of reference of all their projects, working, moreover, as a way of combining art and life.

This journey, transgressing the boundaries and prejudices, feeds their way of seeing and understanding the present world, mixing cultures and experiences, smells and flavours. Every city is their city.

The aim of this trip in the course of ten years is to know all the countries by means of exhibitions, lectures and projects carried out along with transnational groups, establishing thus collaboration bonds with artists and institutions, cultural agents and the different societies.

The human being: origin of life, creation and destruction, power and war, conflicts and gender violence, globalization and changes of social paradigms and his continuous reformulation as a free person in such a changeable world, where science and new technologies change those concepts we build our identity on. These are some issues they think about in order to reflect them in their works and projects using video art installations, virtual reality, net-art, photographs, sculpture, computer graphics...

During these years they have carried out exhibitions and installations in different events: The Fair of Contemporary Art, ARCO, Madrid; Art Futura, the VideoArts Festivals of Bangkok and Hong Kong; The Observatori of Arts in the City of Science and Arts of Valencia; Art Fair of Beijing, CIGE; LOOP Fair; Share, Torino, Italy, Ars Electronica,...Museums and Centers of Art: The Metropolitan Museum of Manila, Center of Contemporary Culture of Barcelona, CCCB; Chelsea Art Museum, New York,; MEIAC; MAXXI, Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo. Roma,...As well as in art galleries in New York, Madrid, Barcelona, Bilbao, Tenerife, Oporto, Japan, Beijing...Conferences and lectures at: Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; ARTIUM, Vitoria; CAP Kobe Japan …

Montse Arbelo and Joseba Franco are founders of ART TECH MEDIA, is a Meeting Platform for all sectors linked to art and new media for reflecting upon, analyse and debating across disciplines for the preparation of proposals related to cultural policy, coordination and optimization of resources, artistic production and research and their promotion at a global level.

They are at present organising the project ESPACIO ENTER. International Meeting for all sectors related to art and digital culture, for ideas that will allow us to design the future of technological innovation.

Montse Arbelo y Joseba Franco iniciaron en el año 2000, acompañados de ordenadores portátiles, cámaras de fotos y vídeo, un proyecto común denominado NOMADAS (2000-2010), siendo el marco de referencia vehiculador de todos sus proyectos, resultando, además, una forma de fusionar arte y vida.

Este camino, trasgresor de fronteras y prejuicios, alimenta su forma de ver y comprender el mundo actual mezclando culturas y experiencias, olores y sabores. Cada ciudad es su ciudad.

El objetivo de este viaje a lo largo de una década es conocer todos los países mediante exposiciones, conferencias y realización de proyectos con grupos transnacionales, estableciendo vínculos de colaboración con artistas e Instituciones, agentes culturales y las diferentes sociedades.

El ser humano: origen de la vida, creación y destrucción, poder y guerra, conflictos y violencia de género, globalización y cambios de paradigmas sociales y de su continua reformulación como personas libres en un mundo tan cambiante -donde la ciencia y las nuevas tecnologías están modificando los conceptos sobre los que construimos nuestra identidad- son algunas de las cuestiones sobre las que reflexionan para reflejarlas en sus obras y proyectos mediante instalaciones de vídeo arte, realidad virtual, net art, fotografías, escultura, infografía...

Durante estos años han realizado exposiciones e instalaciones en diferentes eventos: Feria de Arte Contemporáneo ARCO, en Madrid; Art Futura en Barcelona, Festivales de videoarte de Bangkok y Hong Kong; Observatori de las Artes en La Ciudad de las Ciencias y las Artes, Valencia; Feria de Arte de Pekín, CIGE ; Share, Turín; Ars Electronica en Linz,... Museos y Centros de Arte: Metropolitan Museum de Manila, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, CCCB; Chelsea Art Museum, New York; MEIAC, España; Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo.MAXXI Roma... Galerías de arte en New York, Madrid, Barcelona, Bilbao, Tenerife, Vitoria, Oporto, Japón, Pekín...Conferencias y mesas de debate: Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; ARTIUM, Vitoria; CAP Kobe Japan...

Conferencias y mesas de debate: Metropolitan Museum de Manila; Centro de las Artes de Kobe, Japón; Centro de Arte La Recova, Tenerife; Feria ARCO, Museos y Centros de Arte Encuentros Art Tech Media 06, LOOP, Barcelona; Talleres A. C., Zaragoza...

Montse Arbelo y Joseba Franco son fundadores de ART TECH MEDIA. Es una Plataforma de Encuentro de todos los sectores vinculados al arte y nuevos medios para la reflexión, el análisis y el debate transversal para la elaboración de propuestas que incidan en las políticas culturales, la coordinación y optimización de los recursos, la producción e investigación artística y su promoción global.

Actualmente estan desarrollando el proyecto ESPACIO ENTER . Encuentros internacionales de la creatividad en la inovación digital.

Below/Abajo: Human all rights reserved

Carlos Cid

Carlos Cid (Madrid, 1965) constructs an introspective photography made of mental labyrinths represented by ancestral woods, akin to neuronal networks that interweave states of mind, thoughts, feelings, and altered emotions, to the limit. To achieve that, he uses a technique that gives up the concrete in order to develop an abstraction that succeeds to amaze us, full of inspiration.

Carlos Cid's photography portraits landscapes, but only apparently, as the influential Soviet filmmaker Andrei Tarkovski did with his "oceans of conscience" in his film "Solaris" (1972) based on the homonymous book by the Polish writer Stanislaw Lem.

Woods, oceans, that we sail like persons in crisis, in painful transition, and in continuous change; in the end, a true reflection of our present hypermodern life.

Carlos Cid (Madrid, 1965) construye una fotografía introspectiva de laberintos mentales representados por bosques primordiales, como redes neuronales que entretejen estados de ánimo, pensamientos, sentimientos y emociones, alteradas, caóticas, y al límite. Para ello se sirve de una técnica que renuncia a lo concreto para desarrollar una abstracción con resultados sorprendentes y plenos de inspiración.

La fotografía de Carlos Cid retrata paisajes, pero sólo en apariencia, como ya hizo el influyente director soviético Andrei Tarkovski en sus "océanos de conciencia" en la película Solaris (1972) basada en la novela homónima del escritor polaco Stanislaw Lem.

Unos bosques, unos océanos, que cruzan como personas en crisis, en dolorosa transición y en cambio continuo, al fin y al cabo un fiel reflejo de nuestra actual vida hipermoderna.

Below/Abajo. Kaizen

"Kaizen" defines a series which Carlos Cid has planned as a work in progress of which we present the first images. At the same time, we will show the video work of this series that Cid has autonomously developed favouring a fruitful and dialectic dialogue with his photographic work.

"Kaizen" define una serie planteada por Carlos Cid como un work in progress, un trabajo en proceso, del que mostramos sus primeras imágenes. Conjuntamente se exhibirá el video de esta serie que Cid ha desarrollado con una autonomía y entidad propias que favorecen un diálogo enriquecedor y dialéctico con el trabajo fotográfico.

Filippos Tsitsopoulos

Filippos Tsitsopoulos was born in Greece in 1967. As a visual artist he has developed his career in the digital media. In 2003 he performed Splash Over Memories in the Círculo de Bellas Artes de Madrid and in the Centro de Arte Moderno, in Madrid among other places. He has exhibited his work in galleries and art centres in Spain (Madrid, Granada, Ponferrada, León, Badajoz, Valencia) and internationally (Belgique, London, Athens, Belgrade, Brussels). He studied Fine Arts in Aristóteles University and was graduated with honors in Berlin. He has participated in seminars and workshops in the Círculo de Bellas Artes and in the Fine Arts Faculty of Universidad Complutense de Madrid.

Filippos Tsitsopoulos, Grecia, 1967. Artista plástico, ha desarrollado una importante obra en soporte digital. En cuanto a sus creaciones de arte de acción y performances, caben mencionar las realizadas en 2003 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Splash Over Memories; y en Centro de Arte Moderno, de Madrid. Ha expuesto sus creaciones en galerías y centros de arte en España (Madrid, Granada, Ponferrada, León, Badajoz) e internacionales (Bélgica, Londres, Atenas, Belgrado, Bruselas). Estudió Bellas Artes en la Universidad Aristóteles y se licenció con matrícula de honor en Berlín. Ha participado en seminarios y cursos en el Círculo de Bellas Artes y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

Below/Abajo: Occam razor


His works reveal a dynamic but intimate analysis of the contemporary society, the world we live and its changes, through a classic iconography, legacy of the significant culture that he posses which underlies in every image he creates.

Sus obras nos muestran de una manera dinámica, y sin embargo íntima, un análisis de la actualidad, del mundo en que vivimos y de sus cambios, a través de una iconografía clásica, legado de la gran cultura que posee y que se deja sentir en cada imagen.

Teresa Tomás

Teresa Tomás initiates her career as a sculptress in 1985. Since her first exhibition Todos somos Lagarpos, there is present in her work a strong narrative content that leads her to the creation of an environment where the pieces could recreate a story. Another feature of her artwork is the use of games (see for example Jaque Tate, 1987), both in its playful dimension and in its combination of strategies.

During 1995-2002 we can observe in Teresa Tomás sculptures a progressive integration of painting. (Los ojos del ángel (1995), Cabezas (1998), Flor (1999), Pión entra en el juego (2001), Espantapájaros (2002)). The idea of giving life to her creations leads her to use animation, and after having received a new existence in the pictorial way, the sculptures will initiate a new adventure in the 3d dimension. Teresa Tomás first 3d animation, La casa por el tejado (2004-5), initiates a new creative process with the cycle of the transformations of a water drop.

In the 80 she exhibits in Valencia in the mythic gallery Postpos and in Der Reiter. From 1998 to 2007 introduces her work in the gallery My Name’s Lolita Art, in Madrid and Valencia and every year in the stand of the gallery in ARCO. She has participated in several international events such Pieza a pieza, Área industrial or La casa que ríe and nationals such Formalismos de los 90, Imágenes de culto or Al oeste”, among others.

Her animations have been proyected in internacional festivals such Kanazawa Citizen in Japan, RuArts in Moscú, Arte Digital in La Habana and Videotage in Hong Kong, among others. In itinerancias of Instituto Cervantes in Buenos Aires, Rio de Janeiro, New Mexico y Brasilia. In Spain she exhibited in Art Inevolution, VIA-LAB, Pre-bem, Observatori and in the Video Festivals Valladolid and Santa Cruz de Tenerife.

Teresa Tomás inicia su trayectoria como escultora en 1985. Desde su primera exposición Todos somos Lagarpos, se revela un fuerte contenido narrativo en su trabajo que le lleva a crear un hábitat donde sus piezas puedan recrear una (su) historia. El otro rasgo definitorio de su propuesta es el Juego (véase por ejemplo Jaque Tate,1987), tanto en su dimensión lúdica como en su vertiente combinatoria y estratégica.

En el período 1995-2002 se produce una integración progresiva de la pintura en las piezas escultóricas de Teresa Tomás (Los ojos del ángel (1995), Cabezas (1998), Flor (1999), Pión entra en el juego (2001), Espantapájaros (2002)). La idea de dar vida a sus creaciones la lleva a animarlas y así, las esculturas, después de haber cobrado una nueva existencia en el medio pictórico, iniciarán una nueva aventura gracias al 3d virtual. Su primera animación 3d la estrena en La casa por el tejado (2004-5), donde el proceso creativo comparte protagonismo con el ciclo de las transformaciones de una gota de agua.

En los 80 expone en Valencia en la mítica galería Postpos y en Der Reiter. De 1998 a 2007 presenta su trabajo en la galería My Name’s Lolita Art, en sus espacios de Madrid y Valencia, y anualmente en su stand de ARCO. Ha participado en muestras internacionales como Pieza a pieza, Área industrial o La casa que ríe; y nacionales como Formalismos de los 90, Imágenes de culto o Al oeste”, entre otras.

Sus animaciones se han proyectado en festivales internacionales como el de Kanazawa Citizen de Japón, RuArts de Moscú, Arte Digital de La Habana y Videotage de Hong Kong, entre otros. En itinerancias del Instituto Cervantes en Buenos Aires, Río de Janeiro, Nuevo México y Brasilia. En España se presentó en Art Inevolution, VIA-LAB, Pre-bem, Observatori y en los festivales de vídeo de Valladolid y Santa Cruz de Tenerife.

“La casa por el tejado”, Animación 3D, 20'. Teresa Tomás. 2004

Abraham Martinez

Abraham Martinez works with digital photography and experiments with this medium using it as an instrument of communication. In his works he tries to deal with current social issues and his images reflect the interconnected relationships between arts and technology in our contemporary society.

Abraham Martinez trabaja con fotografía digital y experimenta con este medio usándolo como instrumento de comunicación. En su trabajo trata los problemas sociales del presente y sus imágenes reflejan las relaciones interconectadas entre el arte y la tecnología en nuestra sociedad actual.

Below/Abajo: Sense Title, Photography. Sin título. Fotografía. 2006


Abraham Martinez’s main interest is using digital art as a way to address social issues such immigration, control of population, sustainability and urbanization, and his complex and well-crafted digital images reflect such interests. These concerns have engaged him increasingly in the creation of artworks for the public realm, using digital imagery and new forms of expression, in an attempt to reach a wider audience.

El interés principal de Abraham Martínez es usar el arte digital como un medio de acercarse a los problemas sociales como inmigración, control de la población, desarrollo sostenible y urbanización y sus complejas y elaboradas imágenes reflejan estos intereses. Estos problemas lo han llevado a la realización de obras para el espacio público, usando imaginería digital y nuevas formas de expresión en un intento de alcanzar a una audiencia más amplia.

Cristina Ghetti

Cristina Ghetti, born in Buenos Aires, Argentina, she is currently living and working in Valencia, Spain. She is a visual artist and designer, developing her work in the fields of painting, photography and installations. She also works in digital animation. Licensed in Fine Arts by the “National School of BBAA P. Pueyrredón”, of Buenos Aires, and the Sant Carles's Fine Arts Faculty, Politechnical University of Valencia. She currently prepares a Master in Visual Arts & Multimedia at the Politechnic University of Valencia. She has obtained the Grant of the Mozarteum Intsitute for an art residence in the Cité Internationale des Arts, in Paris, France, and the Scholarship to the Creation in Visual Arts of the National Fundations of the Arts, Buenos Aires, to make studies of digital animation. She is the Director in Spain of Red Nomade, international cooperation project that promotes exchanges between Argentinian and European artists and intellectuals.

Cristina Ghetti, nacida en Buenos Aires, reside actualmente en Valencia, España. Artista visual y diseñadora, desarrolla su trabajo en diversos medios como pintura, fotografía e instalación. También trabaja en animación digital y es licenciada en Bellas Artes por la Escuela Nacional de Bellas Artes P. Pueyrredón de Buenos Aires y por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente está realizando un master en artes visuales y multimedia en la Universidad Politécnica de Valencia. Ha obtenido el premio Mozarteum Institute para realizar una residencia artística en la Cité Internationale des Arts, en Paris, Francia y la beca de creación en artes visuales de la Fundacion Nacional de las Artes, Buenos Aires para realizar estudios de animación digital. Es la directora en España de Red Nomade, un proyecto de cooperación internacional que promueve el intercambio entre artistas intelectuales de Argentina y Europa.

Below/Abajo: Múltiple

Sergio Zavattieri

Sergio Zavattieri is an established Sicilian visual artists and photographer. He studied photography in the Academy of Fine Arts of Palermo and in the Universidad Politécnica of Valencia. He has participated in several solo and group exhibitions in Italy, Finland, Germany and Spain.

Sergio Zavattieri es uno de los más reconocidos artistas sicilianos. En los años noventa estudió fotografía en la Academia de Bellas Artes de Palermo y en la Universidad Politécnica de Valencia. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Italia, Finlandia, Alemania y España.

Below/Abajo: Budleja solarizada

Zavattieri recent work is based in the dynamics of mystification and how truth changes through filters before being transformed in information. He creates his own aesthetic untruth.

Su trabajo más reciente está basado en la dinámica de la mistificación y en como la verdad cambia a través de filtros antes de convertirse en información. Sergio Zavattieri crea su propia estética de las mentiras.

Ima Picó

Ima Picó is a visual artist and digital muralist born in Valencia, Spain. Her recent work explores media saturation in contemporary culture through the use of photography and digital manipulation. Her digital images are usually printed on large scale in order to cover entire walls. She has exhibited internationally in galleries and museums and has been organizing exchanges with artists from different regions of Europe, America and Asia. Ima Picó has been awarded several grants in the United Kingdom, where she has been resident for the last 7 years. Awards include art residencies and grants to organise exhibitions and art exchanges between the United Kingdom and other countries.

Ima Picó es una artista visual y muralista digital nacida en Valencia, España. Su obra reciente explora la saturación mediática a través del uso de la fotografía y la manipulación digital. Su trabajo consiste en la creación de instalaciones site-specific a gran escala. Ha expuesto a nivel internacional en galerías y museos y ha organizado intercambios con artistas de diferentes regiones de Europa, América y Asia. Ima Picó ha obtenido diversos premios en el Reino Unido, entre los que se incluyen residencias artísticas y ayudas para la realización de exposiciones e intercambios artísticos entre el Reino Unido y otros países.

Below/Abajo: Artificial _scape(2). 2009. Light box. Caja de luz.

















This body of work explores media saturation in contemporary culture and its subsequent devaluation of information. The urban built environment that we live in has become saturated with signs of continual information and strong visual communication. Through this series of digital images dealing with urban related found sources I am exploring patterns and forms of urban design. At the same time they are an examination of the disposable mass media culture of our contemporary built environment.

Este trabajo explora la saturación mediática en nuestra cultura contemporánea y la devaluación de la información. El entorno urbano que habitamos está desbordado de signos de información, comunicación visual y glorificación de la tecnología. Mi trabajo manipula y exagera estas formas y texturas tomadas de nuestra cultura visual con la intención de construir imágenes que expresen una sensación de colapso.

Antonio R. Montesinos

Antonio R. Montesinos (Ronda 1979) main interest is the intervention in public spaces. He has been formed as audio-visual artist in Malaga, Seville, Valencia, Munich and Barcelona.

Communication, sign and technology are constant in the process of his work. He creates situations in which the public is encouraged to be involved in order to play along the coordinated instructions marked by the artist.
At present, he is artist in residency at Hangar, as a member of the collective D forma.

Antonio R. Montesinos (Ronda 1979) centra su interés en intervenciones en espacios públicos. Se ha formado como artista audiovisual en Málaga, Sevilla, Valencia, Munich y Barcelona. La comunicación, el signo y la tecnología son constantes en la elaboración de sus trabajos. Es un creador de contextos en los que el público interviene jugando dentro de las coordenadas-instrucciones que el artista marca.

En estos momentos es residente en Hangar como integrante del colectivo D forma.

Below/abajo: Decálogo para ser mi ídolo. 2008.

David Maroto

David Maroto (1976) is a Spanish visual artist based in Rotterdam (The Netherlands). His art practice encompasses a wide range of activities: creation of games, visual narratives, video animations, publications... which have an open component, prone to participation. This can be seen in his installations and special projects (such as Disillusion Tournament, in Tina B festival -Prague) and derives also in collaborative initiatives such as the ongoing series of other artists' presentations Corrillos (Rotterdam). Amongst his upcoming projects, there is a residency in ISCP New York as well as a solo show in Freud Dreams Museum, Sant Petersburg.

David Maroto (1976) es un artista visual español con base en Rotterdam (Holanda). Su práctica artística abarca un amplio rango de actividades: creación de juegos, narraciones visuales, vídeo animaciones, publicaciones... que tienen un componente abierto, proclive a la participación. Esto puede verse en sus instalaciones y proyectos especiales (tal como el Disillusion Tournament, en el festival Tina B -Praga) y deriva asímismo en iniciativas colaborativas tales como Corrillos, una serie en curso de presentaciones de otros artistas. Entre sus proyectos futuros están una residencia en ISCP Nueva York así como una exposición individual en el Freud Dreams Museum, San Petersburgo.

Patchwork Man
Sound piece: 5’ 26’’ (2009) Video: 5′ 04”, colour, sound (2008)